Al tramonto,
down the slope,
from heat to vibrancy to softness.

 

The air gradually cooler,
an apparent and sudden stillness.

 

The wind is heard,
the legs find relief,
we pause for a moment.

 

A continuous line
and a certain melancholy.

 

We are divided by a river,
as in Giorgione,
among beings who may be only light.

 

A premise of calm,

something coming to an end, a blink of an eye.

 

No subterfuge,
no offerings,
no fallacies,
only the wonder and awe
of realizing that calm follows hardship.

 

Il carnato del cielo

sveglia oasi
al nomade d’amore.

 

Half shadow, half colour,
a sigh.

 

Antonia Gaeta

Penedo, 11 June 2025

 

Al tramonto,
pela encosta,
do quente ao vibrante ao suave.

 

O ar pouco a pouco mais fresco, uma aparente e súbita tranquilidade.

 

Houve-se o vento,
as pernas aliviam,

esperamos um instante.

 

Uma linha contínua

e alguma melancolia.

 

Estamos divididos por um rio
qual Giorgione,
entre seres que podem ser apenas luz.

 

Uma premissa de sossego, alguma coisa que acaba, um piscar de olhos.

 

Não há subterfúgios
nem oferendas
nem falácias,
qual o espanto e a admiração
em dar-se conta que à dificuldade segue a bonança.

 

Il carnato del cielo

sveglia oasi
al nomade d’amore1.

 

Metade sombra, metade cor,
um suspiro.

 

Antonia Gaeta

Penedo, 11 junho de 2025

1. At sunset
2. Giuseppe Ungaretti, Tramonto, 1916
My translation:
The flesh of the sky

awakens oases
in the nomad of love

1. Ao pôr do sol
2. Giuseppe Ungaretti, Tramonto, 1916

Tradução minha:
O encarnado do céu

desperta oásis
para o nómada de amor

ANA SANTOS

 

Ana Santos (Espinho, Portugal, 1982) lives and works in Lisbon, Portugal.
Ana Santos’ work develops from a daily practice of finding and accumulating materials and objects. Each object, each material, contains within itself the key to its solution: it is the exercise of practice that allows us to test, choose, alter, redo, reject, until we finally find the solution. Making is constituted through exercise and studio practice and operates from the relationship with materials. Thinking is pragmatic, i.e. it seeks to understand the intrinsic qualities of the material and how they are resolved in the artistic object. First comes the material and then the solution. The materials do not have a fixed provenance, they can come from the street (found objects) or from building materials stores. The choice of material is based on its physical behavior and the possibilities of what it can and cannot do. Speculative thinking interrogates the intentions, motivations and decisions that guide the work, and operative thinking constructs the relationship with the materials. Objects function not as things but as signs. Objects are evocations of form: they are signs of thinking about the material. There is a rapid operation that wants to make the gesture that produces it evident.

 

Ana Santos (Espinho, Portugal, 1982) Vive e trabalha em Lisboa, Portugal.
O trabalho de Ana Santos desenvolve-se a partir de uma prática diária de encontro e de acumulação de materiais e objectos. Cada objecto, cada material, contém em si mesmo a chave da sua solução: é o exercício da prática que permite testar, escolher, alterar, refazer, rejeitar, até finalmente encontrar a solução. O fazer constitui-se através do exercício e da prática de atelier e opera a partir da relação com os materiais. O pensamento é pragmático, isto é, procura perceber as qualidades intrínsecas ao material e o modo como elas se resolvem no objecto artístico. Primeiro, surge o material e depois a solução. Os materiais não têm uma proveniência fixa, podem vir da rua (objectos encontrados) ou de lojas de materiais de construção. A escolha de material é baseada no seu comportamento físico, e nas possibilidades daquilo que pode ou não fazer.  O pensamento especulativo interroga as intenções, as motivações e as decisões que orientam o trabalho, e o pensamento operativo constrói a relação com os materiais. Os objectos funcionam não como coisas mas como sinais. Os objectos são evocações da forma: são sinais do pensamento sobre o material. Há uma operação rápida que quer tornar evidente o gesto que a produz. 

FALA MARIAM DE LISBOA

 

the 1960s-70s, a girl born to a politicized, rationalist family, all neat and proper until the ground vanished under her feet: it was there, more accurately along the Paris-Lisbon axis, that a handful of very young, very intense people, happened to seek for a magical way of thinking by availing themselves of poetry, painting and music. they lived ‘an eternal present’, perhaps too vividly, and everything or almost everything fell apart. but, in the meantime, I had discovered images, certain pictures by William Blake and latter symbolists, which appeared to me as a painting of visionary reason, arguably seeming to transcend its own time…
after this youthful youth I came into contact with painting-people from over here. a host of nomadic and casual experiences ensued: I was a cursory student of printmaking, an illustration intern, a model, etc.
my first intelligent relation to the milieu came with a grant (1986-88); I was then fortunate enough to meet someone who supported me and took a generous interest in my early achievements, Painter Fernando de Azevedo. at a certain moment, I was also helped by Painter Júlio Pomar, Painter Fernando Calhau and then by Ana Isabel, who hosted my second solo show at her Gallery in Rua da Emenda.
at a certain point in the 1990s I felt the need to make my notion of Painting more analytic, seeking to deepen the knowledge of its human history of schools and legacies. but I cannot forget my debt to the immemorial, almost timeless so-called primitive arts, a true gift of fertility that came to me from early on; and I should also not forget how ancient Chinese painting, with the utter subtlety of its medium, would later on teach me to handle acrylic paint; or the natural Enlightenment that I felt when meeting with the various states of pictorial art from the early twentieth century and up to just after the second world war, which was after all my closest antecedent.
these autodidactic — whatever that might be — studies were manifold. and the apprenticeship was lonely.
perhaps because the circuits of the so-called ‘visual arts’ did not particularly relish my things, I irremediably entered the circuits of jazz and music of that ilk, but as a ‘sideman’, a trombonist. I may in fact owe whatever is left of my mental (and social) health to that practice and to some unfortunate instrumentalists in that field.

the first person to truly and significantly consider the specificity of my work was Professor Rui-Mário Gonçalves, a regular, ever-friendly presence across the good and less-than-good moments that my Studio witnessed.
it would be unfair not to mention the lucid availability of José-Augusto França — une personne toujours très occupée — on more than one occasion; I must also mention the unstinting support, against all odds, of my Gallerist, Francisco Pereira Coutinho.
and now I would like to go back to my exact words printed in a 2007 catalogue: today, after many contradictions, transitions and other revolutions, my work exists on a few planes. its boundlessness is due to the dimensions created by the purity of those planes that occur simultaneously on the canvas. being able to paint that luminous occurring has been my personal drama and my profound joy.

nos anos 1960 e Setentas, de família politizada e racionalista, rapariga certinha até lhe fugir o chão debaixo dos pés: aí, mais precisamente no eixo Paris-Lisboa, aconteceu um punhado de gente muito nova, intensíssima, procurar possuir um pensamento mágico, servindo-se para isso da poesia, da pintura e da música. viveu-se «um presente eterno» talvez demasiado vivido e tudo ou quase tudo degradou-se. mas tinha descoberto imagens. nomeadamente certos quadros de William Blake e do posterior simbolismo, que me surgiram logo como pintura de razão visionária, parecendo transcender as épocas onde aparece, o que é e não é verdade mas enfim.
depois desta jovem juventude tive algum contacto com gentes da pintura cá. vivências nómadas e casuais: vaga estudante de gravura, estagiária ilustradora, modelo, etc.
só me relacionei de forma inteligente com o meio ao obter (1986-1988) uma bolsa de estudo; tive então a sorte de conhecer uma pessoa que me deu apoio, interessando-se generosamente pelos meus primeiros conseguimentos, o Pintor Fernando de Azevedo. a dado momento também me ajudaram o Pintor Júlio Pomar, o Pintor Fernando Calhau e seguidamente a Ana Isabel, proporcionando-me a 2.ª exposição individual na sua Galeria da Rua da Emenda.
houve a determinada altura da década de 1990 a necessidade de tornar mais analítica a minha noção de Pintura, procurei então aprofundar um conhecimento da sua história humana de escolas e legados. mas não me posso esquecer: da dívida para com as artes imemoriais quase intemporais chamadas de primitivas, verdadeiro dom de fertilidade que recebi desde cedo; do muito que, mais tarde, a antiga pintura chinesa, seu medium subtilíssimo, ensinou ao meu manejo do acrílico; e a natural Iluminação que foi para mim o encontro com vários dos estados da arte pictural dos começos do século XX a um pouco alargado pós-guerra (a Segunda), afinal o que me precedeu de perto.
foram pois bastantes — autodidactas, mas o que é isso? — estudos. e um solitário aprendizado.
talvez por os circuitos das ditas «artes plásticas» não irem muito à bola com as minhas coisas ingressei, irremediavelmente, no circuito do jazz e músicas afins, mas como sideman, trombonista. provavelmente devo a semelhante prática, e a alguns desgraçados instrumentistas dessa área, o que me resta de saúde mental (e social).

quem realmente assumiu, uma significativa primeira vez, uma especificidade do meu trabalho, foi o Professor Rui-Mário Gonçalves, presença assídua, amiga sempre, nas boas e menos boas fases que atravessou meu Atelier.
injusto seria não mencionar a lúcida disponibilidade de José-Augusto França — une personne toujours très occupée — em mais de uma ocasião. e não quero deixar de referir a assistência infalível do meu Galerista, contra ventos e marés, Francisco Pereira Coutinho.
aqui retomo, tal-e-qual, palavras que usei em catálogo de 2007: hoje passadas muitas contradições, transições e outras revoluções, o meu trabalho existe em alguns, poucos, planos. o que o ilimita são as dimensões criadas pela pureza desses planos em acontecimento simultâneo no quadro. conseguir pintar esse acontecer luminoso tem sido o meu drama pessoal e a minha profunda alegria.

JULIANA MATSUMURA

 

Juliana Matsumura (Mogi das Cruzes, Brazil, 1993) studied Drawing at Ar.Co – Art and Visual Communication Centre, Lisbon (2017). Selected exhibitions: ‘Um Corpo no Mundo’, at Galeria Coletivo Amarelo, Lisbon, Portugal (2024); ‘Um gesto, todos os desenhos’, part of the cycle ‘O Desenho como Pensamento’, at Centro de Artes de Águeda, Águeda, Portugal (2024); ‘chave na serradura’, at Arquipélago Contemporary Arts Centre, Ribeira Grande – Azores, Portugal (2022) and ‘Kawa-Kami’, at Casarão do Chá, Mogi das Cruzes, Brazil (2022). In 2022 the artist took part in the FLAD Visual Arts Course and received a Calouste Gulbenkian Foundation Grant for her residency project entitled ‘Kawa-Kami’, which she developed in São Paulo. She has been exhibiting her work since 2017. In 2024 she published her first book of poems ‘andar como as nuvens andam’ (Walking like the clouds walk) by Urutau. Her work is represented in the collections of the Arquipélago – Contemporary Arts Centre, the PLMJ Foundation, the Fondazione Fiera Milano and the FAAP São Paulo Residency.

 

Her artistic research deals with relationships between the body, ancestrality and territory, and is situated at the intersection of drawing, installation, writing and performance. In the process of making images, she uses elements and phenomena from nature, symbols and archetypes in an attempt to speculate on the invisible and on memory (interpersonal and historical). Her visual work refers to flows, power plays, movement and the passage of time, in a kinematic apprehension of the world.

 

Juliana Matsumura (Mogi das Cruzes, Brasil, 1993). É formada em Desenho pelo Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual, Lisboa (2017). Entre as exposições das quais participou, destacam-se “Um Corpo no Mundo”, em Galeria Coletivo Amarelo, Lisboa, Portugal (2024); “Um gesto, todos os desenhos”, exposição integrada no ciclo “O Desenho como Pensamento”, em Centro de Artes de Águeda, Águeda, Portugal (2024); “chave na serradura”, em Arquipélago Centro de Artes Contemporâneas, Ribeira Grande – Açores, Portugal (2022) e “Kawa-Kami”, em Casarão do Chá, Mogi das Cruzes, Brasil (2022). Em 2022 participou do Curso de Artes Visuais da FLAD e recebeu um Apoio da Fundação Calouste Gulbenkian com o projeto de residência intitulado “Kawa-Kami”, desenvolvido em São Paulo. Expõe o seu trabalho desde 2017. Em 2024 publicou o seu primeiro livro de poemas “andar como as nuvens andam” pela editora Urutau. O seu trabalho está representado nas coleções do Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas, da Fundação PLMJ, da Fondazione Fiera Milano e da Residência da FAAP São Paulo.

A sua pesquisa artística aborda relações entre corpo, ancestralidade e território, e está situada no cruzamento entre o desenho, a instalação, a escrita e a performance. No processo de fazer imagens, são utilizados elementos e fenômenos da natureza, símbolos e arquétipos na tentativa de especular sobre o invisível e sobre a memória (interpessoal e histórica). O seu trabalho visual remete a fluxos, a jogos de força, ao movimento e à passagem do tempo, numa apreensão cinemática do mundo.

MANUELA MARQUES

 

Manuela Marques is an internationally acclaimed photographer whose work investigates the structure of the image and its relationship with perception. She currently lives and works in Paris, developing an artistic practice that merges a poetic sensibility with rigorous conceptual reflection.  

A graduate in Modern Literature from Université Paris III – Sorbonne Nouvelle, Marques discovered in photography a new visual grammar, which has become the central axis of her artistic research. Influenced by structuralist thought, she has developed an innovative practice, exploring the image as a network of visual constellations that challenge its materiality and meaning. As she explains:  

In a way, this corresponds to an inventory of the constitutive structures of the image, with the aim of understanding its global meaning.

Since 1992, her work has been widely exhibited in major institutions such as Musée André Malraux (Le Havre), Centre d’Art du Domaine de Kerguéhennec, and Museu Nacional de Arte Contemporânea (2022-2023 Lisbon). In 2015, the Calouste Gulbenkian Foundation presented Versailles – La Face Cachée du Soleil, a photographic and video project created at the Palace of Versailles during its winter closure. Another major project was La Force de Coriolis (Le Collier, Reims), an exhibition designed for the cellars of a prestigious champagne house, where she explored reflections and the subtle presence of natural elements.  

In 2011, she was awarded the Besphoto Prize, and her work was exhibited at the Berardo Collection Museum, in Lisbon. Throughout her career, she has been widely studied and analyzed by art critics and historians such as Gilles A. Tiberghien, Michel Poivert, Sérgio Mah, Jacinto Lageira, Lisette Lagnado, Léa Bismuth, and Emília Tavares. Several monographs have been dedicated to her work, published by Éditions Marval and Loco Éditions, in Paris.  

Manuela Marques recently exhibited In the Night (February 14 – May 20, 2024) at the Saudi Arabia Museum of Contemporary Art (SAMoCA) in Riyadh, curated by Géraldine Bloch. Her work was also presented in Campagne-Première (June – July 2024) in Revonnas, France, curated by Fanny Robin. In September and October 2024, she participates in the International Contemporary Art Festival Sète-Lisbon (SLA), first in Sète, France (September 9 – 14, 2024), and then in Lisbon, Portugal (from October 16, 2024), under the curatorship of Philippe Saulle.  

Manuela Marques’ work is included in several prestigious institutional and private collections. In Portugal, her work is part of the Calouste Gulbenkian Foundation (Lisbon and Paris), the State Contemporary Art Collection, the Berardo Collection Museum, the National Museum of Contemporary Art, the EDP Foundation, the Lisbon City Museum, the Novo Banco Photography Collection, and the Museum of Image (Braga). In France, she is represented in the Fonds National d’Art Contemporain (Paris), FRAC Auvergne (Clermont-Ferrand), FRAC Haute-Normandie, Musée André Malraux (Le Havre), Fonds Départemental d’Art Contemporain de l’Essonne, Ministry of Europe and Foreign Affairs, Musée de La Roche-sur-Yon, and Agnès b. Collection (Paris). Internationally, her work is included in the Banco Espírito Santo Investment (Brazil), Camões Institute (Paris), Wedge Collection (Toronto, Canada), The Büyükkuşoğlu Collection (Bodrum, Turkey), and the Saudi Arabia Museum of Contemporary Art (SAMoCA, Riyadh).

With a constantly evolving body of work, Manuela Marques establishes herself as one of the most distinctive figures in contemporary photography, exploring the tensions between image, perception, and materiality. 

Manuela Marques é uma fotógrafa reconhecida internacionalmente, cujo trabalho investiga a estrutura da imagem e a sua relação com a perceção. Atualmente, vive e trabalha em Paris, onde desenvolve uma prática artística que conjuga uma abordagem poética com uma rigorosa reflexão conceptual.

Licenciada em Literatura Moderna pela Université Paris III – Sorbonne Nouvelle, Marques descobriu na fotografia uma nova gramática visual, tornando-a o centro da sua pesquisa artística. Influenciada pelo pensamento estruturalista, desenvolveu um percurso inovador, explorando a imagem como uma rede de constelações visuais que desafiam a sua materialidade e significado.

Desde 1992, o seu trabalho tem sido amplamente exposto em instituições de referência, como o Musée André Malraux (Le Havre), o Centre d’Art du Domaine de Kerguéhennec e o Museu Nacional de Arte Contemporânea (Lisboa). Em 2015, a Fundação Calouste Gulbenkian apresentou Versailles – La Face Cachée du Soleil, um projeto fotográfico e videográfico realizado no Palácio de Versalhes durante o seu encerramento no inverno. Outro projeto de destaque foi La Force de Coriolis (Le Collier, Reims), uma exposição concebida para uma cave de uma prestigiada casa de champanhe, onde explorou os reflexos e a presença subtil de elementos naturais.

Em 2011, foi distinguida com o Prémio Besphoto, e o seu trabalho foi apresentado no Museu Coleção Berardo, em Lisboa. Ao longo da sua carreira, tem sido amplamente estudada e analisada por críticos e historiadores de arte como Gilles A. Tiberghien, Michel Poivert, Sérgio Mah, Jacinto Lageira, Lisette Lagnado, Léa Bismuth e Emília Tavares. Várias monografias foram dedicadas à sua obra, publicadas pelas Éditions Marval e Loco Éditions, em Paris.

Manuela Marques apresentou recentemente a exposição In the Night (14 de fevereiro a 20 de maio de 2024) no Saudi Arabia Museum of Contemporary Art (SAMoCA), em Riade, com curadoria de Géraldine Bloch. O seu trabalho integrou também a exposiçãoCampagne- Première (junho a julho de 2024), em Revonnas, França, sob a curadoria de Fanny Robin. Entre setembro e outubro de 2024, participa no Festival Internacional de Arte Contemporânea Sète-Lisboa (SLA),primeiro em Sète, França (9 a 14 de setembro de 2024) e, posteriormente, em Lisboa,

Portugal (a partir de 16 de outubro de 2024), com curadoria de Philippe Saulle.

A obra de Manuela Marques integra diversas coleções de prestígio, tanto institucionais como privadas. Em Portugal, está representada na Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa e Paris), na Coleção de Arte Contemporânea do Estado, na Fundação Museu Coleção Berardo, no Museu Nacional de Arte Contemporânea, na Fundação EDP, no Museu da Cidade de Lisboa, na Novo Banco Photography Collection e no Museu da Imagem (Braga). Em França, faz parte do Fonds national d’art contemporain (Paris), do FRAC Auvergne (Clermont-Ferrand), do FRAC Haute-Normandie, do Musée André Malraux (Le Havre), do Fonds départemental d’art contemporain de l’Essonne, do Ministère de l’Europe et des Affaires Étrangères, do Musée de La Roche-sur-Yon e da Coleção Agnès b. (Paris). A nível internacional, encontra-se representada no Banco Espírito Santo Investment (Brasil), no Instituto Camões (Paris), na Wedge Collection (Toronto, Canadá), na The Büyükkuşoğlu Collection (Bodrum, Turquia) e no Saudi Arabia Museum of Contemporary Art (SAMoCA) (Riade).

BIO

 

Antonia Gaeta (Lanciano, Italy, 1978) has a BA degree in Conservation of Cultural Property from the University of Bologna, a Master’s degree in Curatorial Studies from the University of Lisbon’s Faculty of Fine Arts (FBAUL), and a PhD in Contemporary Art from the University of Coimbra’s College of Arts.

Antonia Gaeta has developed research projects and exhibitions with various art institutions in Portugal and abroad, and has also published numerous texts in catalogues, specialised magazines and exhibition programs.

For the Directorate-General for the Arts, she served as the executive coordinator of Portugal’s official representations at the art biennials of Venice (2009 and 2011) and São Paulo (2008 and 2010). Between 2015 and 2022 she worked with the Treger Saint Silvestre collection, held on deposit at the Centro deArte Oliva. In 2019 she inaugurated the Verão in Lisbon, a space for experimentation in the visual arts.

Since 2022, after completing her studies at the Ricardo Espírito Santo Foundation, she has been working on carpentry-based projects, alongside her work as a curator.

Antonia Gaeta (Lanciano, Itália, 1978) é licenciada em Conservação de Bens Culturais pela Universidade de Bolonha, mestre em Estudos Curatoriais pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL) e doutorada em Arte Contemporânea pelo Colégio das Artes da Universidade de Coimbra.
Antonia Gaeta tem desenvolvido projectos de investigação e exposições com várias instituições de arte em Portugal e no estrangeiro, tendo também publicado numerosos textos em catálogos, revistas especializadas e programas de exposições.

Para a Direção-Geral das Artes, foi coordenadora executiva das representações oficiais de Portugal nas bienais de arte de Veneza (2009 e 2011) e de São Paulo (2008 e 2010). Entre 2015 e 2022 trabalhou com a colecção Treger Saint Silvestre, depositada no Centro de Arte Oliva. Em 2019 inaugurou o Verão em Lisboa, um espaço de experimentação nas artes visuais.

Desde 2022, após a conclusão dos seus estudos na Fundação Ricardo Espírito Santo, desenvolve projectos de marcenaria, a par do seu trabalho como curadora.